A continuación, EIDÔLON – Aristófocles eterno, la colección de crónicas literarias de Alberto Revidiego para cubrir la actividad relacionada con las Artes Escénicas que se desarrollan en los teatros de Sevilla, recogidas en Revista 17 Musas y Mapa Desbloqueado. Y Aristófocles, como eidôlon que es, más fantasma que nunca, participará de esta experiencia. Si quieres conocer en qué consiste este proyecto, aquí tienes la presentación.
CRÓNICA I: “QUI SOM?” – BARO D’EVEL
TEATRO CENTRAL – EIDÔLON, ARISTÓFOCLES ETERNO
14 de diciembre de 2025 – 24s d.c. (veinticuatro siglos después de mi cuerpo)
Se rompió la cadena que ataba el reloj a las horas. Se paró el aguacero ahora somos flotando dos gotas. Agarrado un momento a la cola del viento me siento mejor. Me olvidé de poner en el suelo los pies y me siento mejor… ¡Volar! ¡Volar! Desde el otro lado del tiempo se plegó una luz, y se abría una sombra, por puro equilibrio. Todo era un baile de tránsito, una ventisca, una fuerza que empujaba hacia lo que estaba por venir. Ese fue el panorama ante mis ojos, los ojos de un eidôlon, un espíritu imperecedero, que todo lo ven aunque no están presentes. “Aristófocles, tontico, ¿nunca te vas a acostumbrar?”, me susurraba a mí mismo. Y salí de mi parpadeo, ese encierro relativo en la línea del calendario, en el que un segundo pueden ser meses de ausencia, siglos en el peor de los casos, la física teórica de los fantasmas, todo incertidumbre. Pero reconocí el vestíbulo del Teatro Central de Sevilla, este gran templo del Arte, y en los carteles promocionaban la programación de diciembre. Toda la suerte de seguir en 2025, la última vez que estuve entre sus muros aún estábamos en abril, ¡pero vaya salto!
Nueva temporada, nueva energía. Se percibía en el ambiente una vibración de retorno, miraba a mis iguales que llegaban por la puerta principal sonrientes (y mucho más vivos, todo hay que decirlo) y se sentía la intensidad del regreso al lujo que está al alcance de todos, sin perder ese brillo vitalista por mucho que se comparta: Un espectáculo entre aquellas paredes era, casi al 99,99%, algo digno de vivirse. Me reservo un porcentaje ínfimo por evitar pedanterías y el Código Penal si algo fallase. Arrancaba para mí la temporada 2025-2026, mi tercera muesca en estos pasillos, con un sold-out en cartel, y tenía ganas de abrazar a cada miembro del personal, siempre tan cercanos y profesionales. Se merecen un besito en la frente, pero me contuve porque respeto mucho el espacio personal (y no siempre es agradable que un fantasma contacte con la piel viva).
Los pasillos adoptaron la forma de galería de museo, en el que ciertas personas, trajeadas de negro estricto, aguardaban la llegada de los visitantes y sus miradas intrigadas, que se despeñaban sobre los pedestales, coronados con vasijas de barro, y sobre la propia solemnidad de sus posturas. Pronto comenzaría a deshilacharse esta actitud a favor de la comedia, la esencia de QUI SOM? de Camille Decorurtye y Blaï Mateu Trias / BARO D’EVEL. Una vez dentro de la sala, perfilamos un escenario oscuro en cuyas bandas había sendas filas de pedestales (¿imaginas que había sobre ellos?) y cuyo centro estaba dominado por una especie de meseta de tres jorobas y superficie barro-plastificada (¿lo visualizas? Se intuía un tacto extraño). Dos de aquellos agentes de negro, colocados a un margen, esperaron que el público callase, iniciaron unas mínimas acciones que dieron pie a un descenso a la carrera desde lo alto de las gradas de la cabecilla de esta historia, que venía a presentar la escena (y a advertir a los osados que pretendiesen usar el móvil) con una habilidad para la improvisación con elementos de lo repentino bastante notable. Tras una intervención musical mínima desde el palco (preludio a la gran presencia musical que tendría la obra), comenzó una historia que no puede condensarse en una imagen.
Esta obra trató de abarcar, desde una amabilidad cómica y una artesanía de la acrobacia danzada, asuntos urgentes, humanos y ecológicos, que nos incumben directamente. Se habló de identidad, por supuesto, si no a qué ese título… pero también de futuro, de la posibilidad de azotar las bridas de un presente que no debe arrastrar el carruaje de lo pretérito. Un abanico actoral de doce personas y un perro que recrearon un mundo propio en el que la solemnidad se trata de mantener a costa de lo ridículo cuando las circunstancias te arrojan al suelo (ya sea con un resbalón o desde un océano de plásticos que todo lo invade). Fue realmente cómico ver momentos de “postureo” para una foto grupal en el que no dejaban de resbalarse sobre un charco blanco que todo lo impregnaría, como si la gravedad actuase de titiritero, tirando con violencia de unos hilos inesperados.
Los bailes son otro de los pilares, el histrionismo corporal, que recordaban por momentos a Chaplin (ese juego del espejo con los aparentes dobles), a Keaton, a Groucho Marx y toda esa panda de insensatos que nos ganaron el corazón a base de humor físico. Sobre la danza, la música, un privilegio que trenzaba actuación en directo (ojo, que aquí todos tocaban instrumentos… se salva el perrete, pero no me hubiese extrañado verlo con una pandereta) con elementos grabados, paisajes sonoros (oleaje, viento) y mínimas piezas con cuerdas, esencialmente violines.
Traían material para un amplio arco de sonrisas, desde la creación fálica de un jarrón nuevo, hasta elementos poéticos en el que desde el suelo se reprocha cobardía a un dios que se asoma desde tres o cuatro metros de altura a través de la montaña hecha muro acechante, quien no tiene otra cosa que hacer que indignarse, acorralado en la falta de razón. Son pequeños ejemplos de una coreografía de la inestabilidad, con transformaciones en directo cuando meten las cabezas en jarrones frescos y van modulando sus formas para dotar de personalidad y rostros, casi como cabezones de fiestas antiguas, a aquellas superficies grises, que van tintándose de pintura para agonizar una boca, unos ojos, o cruzar de sombras un rostro que pasa de la contemplación a la amenaza. Algo casi pictórico que va sumando capas a la artesanía escénica.
Y la montaña baila, por supuesto. Late, convulsiona, se desplaza, atrapa a algunos de los protagonistas y expulsa a otros en mitad de un sueño o desmayo, sirve de refugio para la inocencia de la niña y la pureza del perro, impone sus dimensiones entre sombras, aplacándose la luz, para que a nosotros nos sobrecoja, porque representa la fuerza de la naturaleza, y acojona, por qué no decirlo, especialmente cuando está saturada y comienza a expulsar botellas y más botellas de plástico, y llega casi hasta los pies de la primera fila, y todo es maldita contaminación, y qué estamos haciendo, y cómo hemos sido tan estúpidos de llegar a esto, y ya los resbalones hacen menos gracia porque no puedes evitar ser consciente de qué lo genera, y aquí la crítica, entre cantos, danzas y mucha comedia. «Espera a que algo suceda» se llegaba a decir varias veces en la obra, casi como un motor de esperanza vacuo. El contraste es lo que vemos, una llamada a la acción.
Y hablando de acción, uno es un eidôlon pero sabe moverse. Si un buen ritmo me llama, aunque tenga 24 siglos después de mi cuerpo, yo bailo. Se me van las caderitas, podríamos decir, y es que al acabar esta gran obra, discurso mediante, arrancó una fanfarria que subió por las escaleras de las gradas y que, al salir de la sala, continuó por los pasillos y vestíbulo del Teatro Central, celebrando este regreso, este amor por la escena, mientras habían dispuesto una venta con precio libre de vasijas y pósteres de la obra. Y se montó la fiesta, por supuesto. Tuvieron que gritar varias veces que nos fuéramos a casa, que la fiesta no podía ser infinita, pero allí seguíamos todos, y entre saltos y giros, a ritmo de aquella música que todo lo inundaba, fui evaporando mi invisibilidad hasta volver al otro lado del tiempo con un poco más de luz.
